Die Deutsche Oper am Rhein in Düsseldorf brachte die Tragédie mise en musique "Castor et Pollux" von Jean-Philippe Rameau heraus - inszeniert von Choreograph Martin Schläpfer

(Düsseldorf, 28. Januar 2012) Bei Hector Berlioz findet sich die süffisante Bemerkung, dass ein Franzose selbst noch für die Aufführung vom Jüngsten Gericht einen Grund dafür findet, auf der Bühne tanzen zu müssen. Seit ungefähr 1670 ist der Tanz in französischen Opern unverzichtbar. Nicht selten hat man daher auch von ballet statt von Oper gesprochen. Zwei solcher Opernballette von Jean-Philippe Rameaus bekam das Düsseldorfer Opernpublikum in den letzten zwei Jahren geboten (das Comédie-Ballet "Les Paladins" und das Ballet-Bouffon "Platée"). In diesem Januar endet der Düsseldorfer Rameau-Zyklus mit der Tragédie mise en musique "Castor et Pollux". Aber auch in diesem großen Bühnenwerk von 1737 ist der Tanz essentiell. In den Passepieds, den Menuetten oder fetzigen Tambourins, die in jedem der fünf Akte einen musikalischen Höhepunkt liefern. Insofern ist es logisch, dass der Hauschoreograph Martin Schläpfer die Choreographie übernimmt. Er hat daraus sein Opernregiedebüt gemacht. [Premierenkritik lesen]

Zwei Jahre lang hat die junge bulgarische Regisseurin Vera Nemirova an der Oper Frankfurt Wagners "Ring" geschmiedet, den sie gemeinsam mit Generalmusikdirektor Sebastian Weigle herausbrachte - gestern Abend ging er mit der "Götterdämmerung" zu Ende.

(Frankfurt, 29. Januar 2012) Wie drei Voodoo-Zauberinnen hocken die Nornen anfangs auf der leeren Weltenscheiben-Bühne. Und während das fabelhafte Opernorchester gemeinsam mit Generalmusikdirektor Sebastian Weigle drunten an einem satt farbenreichen, warmen Klangteppich webt, wickeln die Nornen droben große Wollknäuel ab und umwickeln all jene Protagonisten mit ihrem Gedankenfaden, die bisher beteiligt waren an der "Ring"-Tetralogie - bis der Faden reißt, weil die weisen Nornen das Ende der Geschicht' selbst noch nicht kennen. [Premierenkritik lesen]

Die Choreographin Sasha Waltz und der Komponist Mark André kreierten zum Auftakt der Salzburger Mozartwoche ein "choreographisches Konzert" - mit mäßigem Erfolg

(Salzburg, 27. Januar 2012) Der Idee ist zweifellos einiges abzugewinnen. Warum sollte Sasha Waltz, die Straßennamen, Opern oder ganze Museen "vertanzt" nicht auch Mozart vertanzen? Kein bestimmtes Werk oder gar die Person Mozart. Nein verschiedene Werke in kleiner Besetzung, nicht nur mit Tänzern, sondern auch mit "tanzenden" Musikern. Nicht nur mit der Musik Mozarts, sondern auch mit zeitgenössischen Klängen des Komponisten Mark André im lebendigen Dialog.
Die Idee eines "choreographischen Konzerts" klingt gut, und so hoffte man denn am Geburtstag Mozarts auf eine interessante Neuschöpfung von Deutschlands Tanztheaterfrau Nr. 1 zum Auftakt der renommierten Salzburger Mozartwoche. [Besprechung lesen]

Wenig überzeugende Neuproduktion der Weill-Oper an der Wiener Staatsoper

(Wien, 27. Januar 2012) Stünde eine solche Äußerung nicht unter Terrorverdacht, man könnte wohl behaupten, dass Kurt Weills "Mahagonny"-Oper brandaktuell sei. Am Ende der goldenen Zwanzigerjahre haben er und Bertolt Brecht ein mit schönen Songs und Arien aufgeladenes Märchen über die Auswüchse der Gesellschaft des Schnell-Reich-Werdens geschrieben. Das war kurz vor dem vorletzten großen Börsenkrach; die Uraufführung fiel schon ins Minuswachstum. Rasch wurd´ es den Menschen braun ums Herz. Und was sich in "Mahagonny" noch als dummes Volk auf der Bühne tummelt, wurde zur plebejischen Aufsteigerpartie von SA, SS, Gestapo und Wehrmacht. [Besprechung lesen]

Zwei kontrastreiche Einakter - Tschaikowskys "Iolanta" und Rachmaninows "Francesca da Rimini" - im Theater an der Wien

(Wien, 19. Januar 2012) Es gibt eingefahrene, konventionelle (aber durchaus brauchbare) Kombina­tionen von Operneinaktern, wie "I pagliacci" - "Cavalleria rusticana", selten neue Einfälle, doch zwei davon in Wien: Ende März wird an der Volksoper Leoncavallos "Bajazzo" (in deutscher Übersetzung) mit einer Oper von Hans Werner Henze zusammengespannt; schon Premiere hatte im Theater an der Wien ein ganz neues Tandem von zwei im deutschen Sprachraum ziemlich selten gespielten Werken: Peter Iljitsch Tschaikowskys letzter Oper "Iolanta" (bei der Petersburger Uraufführung kombiniert mit - man höre und staune - dem "Nußknacker") und Sergej Rachmaninows "Francesca da Rimini", ein Sujet, das dem gemeinen Opernfreund eher als italienischer Veris­mo-Reisser von Riccardo Zandonai geläufig sein dürfte. [Opernkritik lesen]

Die Kölner Oper präsentierte eine fantastische konzertante "Norma" mit Edita Gruberova

(Köln, 18. Januar 2012) "Norma" ist ein Schwergewicht im Opernrepertoire - aber auch ein Publikumsschlager. Drei "Norma"-Premieren in nur zwei Monaten in NRW, das ist Bellini-Luxus pur. Die Inszenierungen an den Theatern in Krefeld Mönchengladbach und in Dortmund feierten Anfang Dezember Premiere (KlassikInfo hat berichtet). Die Aufführung gestern in Köln fand auch in der Oper statt, aber ohne Bühnenbild und ohne Regie. Sie hat mit einer Starbesetzung in der Titelrolle gelockt. Das Publikum in der ausverkauften Kölner Oper hat auf einer Woge des Glücks geschwelgt. [Besprechung lesen]

Zum Tod des großen Cembalisten und Pioniers der historischen Aufführungspraxis Gustav Leonhardt

(16. Januar 2012) Vor gut einem Monat gab Gustav Leonhardt sein letztes Konzert in Paris - müde, abgemagert, schwach. In München konnte man ihn im Februar 2010 - und ein Jahr später - ein letztes Mal erleben! Wer damals dabei war und ihn danach noch sprechen durfte zu seiner Mitwirkung als Johann Sebastian Bach im wunderbaren Film "Die Chronik der Anna Magdalena Bach" von Daniéle Huillet und Jean-Marie Straub aus dem Jahr 1968, der hat einen zwar hageren, aber ungemein wachen und witzigen Mann in Erinnerung, der so redet wie er spielt: lebendig, frei, geradezu jungenhaft - seinen damals 83 Jahren zum Trotz! Neben Johann Sebastian Bach kamen auch Johann Christoph und Wilhelm Friedemann zum Zug und es ereignete sich ein Wunder! [weiter]

Silvesterkonzert der Dresdner Staatskapelle unter Christian Thielemann

(Dresden. 30. und 31. Dezember 201) Man sollte sich davor hüten, die Operette zu unterschätzen. Der Vortrag einer Szene oder Arie überzeugt erst dann, wenn subtile Erotik, Witz, Charme und Eleganz ins Spiel kommen. Qualitäten, die in den nüchternen Inszenierungen unserer Zeit oftmals kaum noch Raum finden, bei einem Zeitgeistverweigerer Christian Thielemann aber Ehrensache sind. Der setzte wie schon 2010 für sein erstes Silvesterkonzert mit der Sächsischen Staatskapelle Franz Lehár aufs Programm, diesmal mit Hits aus den Bühnenwerken "Das Land des Lächelns", "Zarewitsch", "Paganini" und "Giuditta".  [weiter]

August Everdings uralt-Inszenierung der "Zauberflöte" feiert in einer ansprechenden Besetzung mit Daniel Behle, Erika Mikosa, Christian Gerhaher und Georg Zeppenfeld an der Bayerischen Staatsoper Auferstehung

(München, 28. Dezember 2011) Neben der Verpflichtung Neues aufzuführen und Klassiker zeitgemäß und spannend zu interpretieren gibt es für subventionierte Theater offensichtlich auch so etwas wie eine Verpflichtung, bestimmte Werke zu bestimmten Zeiten im Jahr zu präsentieren. Die "Fledermaus" zu Sylvester ist so ein Fall, "Hänsel und Gretel" rund um Weihnachten oder auch die "Zauberflöte", ebenfalls gerne zur Weihnachtszeit, obwohl Mozarts Oper natürlich übers ganze Jahr hinweg "Konjunktur" hat. Die Bayerische Staatsoper hat die "Zauberflöte" in einer neuen Besetzung in der (ur-)alten Inszenierung von August Everding jetzt zwischen Weihnachten und Neujahr aufs Programm gesetzt. Sehr zur Freude der Familien, die scharenweise in die Aufführungen strömen. Und das, obwohl Mozarts Oper wie viele (andere) Märchen auch nicht wirklich ein "Kinderstück" ist. [weiter]

Peter Konwitschnys verfälschende und verflachtende Inszenierung von Leos Janáček "Aus einem Totenhaus" hat Wien eingeholt

(Wien, 14. Dezember 2011) Eigentlich könnte man es ja auch als beruhigend ansehen, daß auch Meister des deutschen Regietheaters ihre Ausfallsquote in Anspruch nehmen. Peter Konwitschtny, dessen Insze­nierungen immer wieder für heftige Kontroversen gesorgt hat, hat - im Juni in Zürich und nun an der Wiener Staatsoper - eine der schönsten, schwie­rig­­sten und - gemessen am Genre-Durchschnitt - "unopern­haftesten" Opern von Leos Janáček herausgebracht. Hätte man nicht anneh­men dürfen, dass ihn "Aus einem Totenhaus", das letzte Bühnenwerk des mäh­rischen Kom­ponisten, zu einer herausragenden Leistung anspornen würde? Dass dem nicht so war, hat Publi­kum und Kritik schon in Zürich irritiert.
In Wien war es nicht anders. Dabei merkt man trotz allem im Detail der Perso­nen­führung immer wie­der den Vollblut-Regisseur. [Besprechung lesen]

Claus Guth und Ivor Bolton beginnen ihren Monteverdi-Zyklus im Theater an der Wien mit "L'Orfeo"

(Wien, 17. Dezember 2011) Warum werden - und in letzter Zeit ist das des öfteren passiert - Opern "gefühlt" immer länger? In einer unmodernen Antwort könnte man meinen, dass ihnen die Poesie fehle, die der Musik innewohnt und sehenden Auges eingeschrumpft wird. Aber da sei natürlich der wache Geist vor, der als Gegengewicht zum subjektiven Gefühl dafür sorgt, dass nach- und vorgedacht wird. Denn bei der Produktion des Monteverdischen "Orfeo" im Theater an der Wien handelt es sich um den Beginn eines dreiteiligen Zyklus. (Die vierte Oper des Komponisten über Ariadne ist ja bis auf das "Lamento" verloren.) [Besprechung lesen]

Manfred Trojahns Oper "Orest" wurde an der Nederlands Opera Amsterdam uraufgeführt

(Amsterdam, 8. Dezember 2011) Ein gellender Frauenschrei aus dem off. Der schwarze Bühnenverschlag zieht sich nach oben und gibt den Ausschnitt der unteren Bühnen frei. In einem spießigen Wohnzimmer mit bunt leuchtendem Weihnachtsbaum wälzt sich Orest in verbeulter beigefarbener Hose und grauem Shetlandpulli auf dem braunen Ledersofa. Die Geigen flirren. Dann bricht aus dem Orchestergraben gellendes Instrumentalgeschrei hervor. Angstschreie wandern in Dolby surround durch das Parkett. "Orest, Orest" schreit oder flüstert es. [Uraufführungskritik lesen]

Essen präsentiert eine neue "Fledermaus" in der Regie von Gil Mehmert und unter der musikalischen Leitung von Stefan Soltesz

(Essen, 10. Dezember, 2011) "Kein anderer Komponist ist dem Offenbachschen Vorbild so nahe gekommen wie Johann Strauß mit seiner 'Fledermaus'", heißt es in der Operettenbibel von Volker Klotz, dem "Porträt und Handbuch einer unerhörten Kunst". Dieses Kompliment unterstreicht zum einen das große Unterhaltungspotential dieses Werkes, gilt aber noch mehr seiner Ironie, Doppelbödigkeit und gesellschaftskritischen Schärfe. "Glücklich ist, wer vergisst, was doch nicht zu ändern ist". Das kann so entspannt wohl nur ein Alfred singen, den ja nun wirklich nichts "geniert". Bei allen anderen Personen der Operette kriselt es, beruflich, privat. Der festgefügte Alltag lässt eine Flucht kaum zu, man sucht also Zerstreuung auf Festen, benebelt sich genussvoll  mit Champagner. Und wenn's schief geht, hat er's "verschuldet, so der finale Rundgesang. Eine harmlose Champagner-Operette ist die "Fledermaus" also nicht, sondern eine Abrechnung mit fatalen Lebensrealitäten. Die Wiener hatten 1873 (ein Jahr vor der Uraufführung) immerhin einen katastrophalen Börsenkrach zu verkraften. Das Haus Eisenstein wirkt davon zwar nicht in Mitleidenschaft gezogen, aber welche Zukunft der fast nur noch auf rhetorischen Floskeln aufgebauten Ehe, vor allem nach allen erotischen Fremdgängen, in Zukunft blüht, mag man sich gar nicht ausmalen. [Premierenkritik lesen]

Mozarts "Don Giovanni" zur Scala-Saisoneröffnung mit Anna Netrebko, Peter Mattei und Bryn Terfel - am Pult der neue Musikchef Daniel Barenboim

(Mailand, 7. Dezember 2011) Wenn der Oper, dem Regisseur, dem Dirigent und im Durch­schnitt auch den Sängern eines Projekts ein guter Ruf vorauseilt und das auch noch zur Saison­eröffnung der Mailänder Scala - was soll da schon schiefgehen? Und in der Tat, am Applaus gemessen hätte man am Schluss meinen können, einem großen Abend beigewohnt zu haben. Doch leider war dem nicht ganz so. [Premierenkritik lesen]

Das Gürzenich-Orchester unter Markus Stenz mit Werken von Henze, Brahms und Saariaho 

(Köln, 4. Dezember 2011) Im jüngsten Konzert des Gürzenich-Orchesters wurde man mit zwei bewährten Besonderheiten konfrontiert. Zum einen gibt Markus Stenz, wie früher auch sein Vorgänger James Conlon, Orchestermitgliedern Gelegenheit für solistische Auftritte; diesmal war es der Trompeter Bruno Feldkircher. Viele Mitglieder des Orchesters profilieren sich ohnehin mit individuellen Auftritten außerhalb der Kölner Philharmonie oder machen CD-Aufnahmen, meist  in Kammermusikformation. Die Konzertmeisterin Ursula Maria Berg nahm sämtliche Violinsonaten von Robert Fuchs auf, ihr Kollege Torsten Janicke spielte Konzerte von Max Bruch und Hans Werner Henze ein. [weiter]

Zum Abschluss der diesjährigen "Dialoge"-Reihe im Salzburger Mozarteum und zum Abschied des langjährigen Programmmachers Stephan Pauly gab es spirituelle Musik aus unterschiedlichsten Epochen und Kulturkreisen - ein außergewöhnliches Konzert

(Salzburg, 4. Dezember 2011) Wenn man die Salzburger mit einer Aufführung von Mozarts Requiem - zumal im Winter - hinter ihren gemütlichen Kachelöfen hervorlocken und auch noch beeindrucken will, dann muss man schon etwas Besonderes aufbieten. Selbstredend sind die Konzerte der "Dialoge"-Reihe der Salzburger Stiftung Mozarteum, was Programm und Interpreten anbelangt, fast immer etwas Besonderes, und somit standen die Chancen auf eine allgemeine Publikumsbeglückung mit diesem über die Maßen bekannten Werk ziemlich gut. Eingeladen waren neben dem Mozarteumorchester und dem Salzburger Bachchor der wunderbare Alte-Musik-Spezialist Trevor Pinnock als Dirigent, von dem man in Deutschland in den vergangenen Jahren leider nicht viel vernommen hat. [weiter]

Der ehemalige GMD der Bayerischen Staatsoper Zubin Mehta kehrt für eine "Turandot"-Neuinszenierung nach München zurück - Carlus Padrissa von "La Fura dels Baus" gibt in München sein Regie-Debüt

(München, 3. Dezember 2011) In den 80er und frühen 90er Jahren waren die katalanischen Theatermacher von "La Fura dels Baus" berühmt-berüchtigt. Mit zum Teil drastischen Mitteln und jeder Menge Körpereinsatz sorgten sie in ihren Performances für ein gerüttelt Maß an Verstörung unter ihren Zuschauern. Die ließen sich den Nervenkitzel gerne gefallen, auch wenn es schon mal vorkommen konnte, das etwas oder jemand gegen einen Besucher knallte - Kollateralschäden eines lebensprallen Theaters. [Premierenkritik und Lesermeinungen lesen]